Как итальянский дизайн рассказывают миру? Интервью с Марией Кристиной Дидеро

Тот факт, что итальянский дизайн является востребованным экспортным продуктом, давно известен и не требует дополнительных подтверждений. Однако менее очевидно, что повествование о дизайне во всём мире зачастую ведётся на итальянском языке, и наши кураторы пользуются огромным спросом на международной арене. Например, Мария Кристина Дидеро, одна из самых опытных и активных специалистов, начала свою карьеру за пределами Италии в начале 2000-х годов в Музее дизайна Vitra под наставничеством тогдашнего директора Александра фон Вегезака. Гений места и человеческий фактор всегда были двумя ключевыми элементами в её кураторской деятельности в секторе, который, как она часто подчёркивает, больше связан с людьми, нежели с предметами. В настоящее время три проекта, которыми она руководила, представлены — или скоро будут представлены — на выставках в трёх географически и культурно далёких городах: Маскате, Тиране и Токио.

Итальянский дизайн как повествовательный инструмент в Омане

В столице Омана, в Национальном музее, созданном по инициативе покойного султана Кабуса бен Саида и открытом в 2016 году, выставка «1 to a Million Design Stories», организованная Музеем дизайна ADI в Милане и доступная для посещения до середины ноября, знакомит местную публику с той долей фантазии и изобретательности, которая, помимо чистой функциональности и даже формы, принесла успех Made in Italy со времён послевоенного периода до наших дней. Тридцать пять объектов, удостоенных награды Compasso d’Oro — среди них такие иконы, как Superleggera от Джо Понти, Lettera 22 от Olivetti, разработанная Марчелло Ниццоли, или Tratto Pen от Design Group Italia для Fila, которая как нельзя лучше демонстрирует абсолютную ценность проекта, независимо от его масштаба или стоимости — представлены через свежие и лаконичные тексты, сосредоточенные в основном на анекдотах, и иллюстрации Стивена Гуарначчиа. Эти иллюстрации создают метафоры вокруг предметов, следуя или не следуя уже намеченному дизайнером пути: например, кресло серии Up от Гаэтано Пеше становится матерью, убаюкивающей своего ребёнка, а телефон Grillo от Марко Занузо и Ричарда Саппера превращается в бегемота с раскрытой пастью. Идея состоит в том, что эти визуальные интерпретации «не должны затмевать объекты, а должны раскрывать их повествовательный и выразительный потенциал», показывая, что итальянский дизайн на самом деле, прежде всего, является огромным хранилищем историй.

Рисунки Гаэтано Пеше в албанской «столице башен»

В Албании ретроспектива, посвящённая Гаэтано Пеше (Gaetano Pesce: Drawing Life, с 4 июня по 3 июля в COD – Центре открытости и диалога в Тиране), курируемая Марией Кристиной Дидеро совместно с Франческой Мольтени, сосредоточена на рисунке, понимаемом не как предварительный этап проектирования ваз, сидений и архитектурных сооружений, а как самостоятельная практика и «открытое пространство», в котором ещё более чётко и наглядно видны напряжения, пронизывающие все его исследования. «Что всегда поражало меня в Пеше, так это то, что он никогда не стремился к совершенству», — объясняет Дидеро. «Он искал истину. И рисунки показывают это лучше, чем что-либо ещё из того, что он когда-либо производил: мысль всё ещё там, открытая, неразрешённая». Отсылка к городу, принимающему выставку, называемому «столицей башен» из-за его недавнего вертикального развития, проявляется в концепции Плюралистической башни — дальновидного, примерно 40-этажного небоскрёба-пластины, каждый этаж которого разработан разным архитектором. Пеше представил его в 1987 году как гимн творческой свободе и способ поставить под вопрос десятилетия, если не более, архитектурной практики. «Здесь культурный контекст, очевидно, гораздо ближе к Италии, чем оманский», — продолжает куратор. «Для меня, как и для тех, кто занимается моей профессией, крайне важно оценивать социальный и исторический контекст, в котором мы работаем. У каждого места есть определённые динамики, и всегда лучше быть в курсе всего, что произошло раньше и происходит сейчас, чтобы понять, что делать в нашем маленьком будущем».

Японский проект «Craft x Tech»: ремесленное мастерство как противоядие от «трудностей перевода»

Проект Craft x Tech, результаты которого недавно были представлены в Kudan House в Токио, напротив, способствует встрече международного дизайна с традиционным ремесленным искусством определённого региона Японии. После Тохоку, северо-восточной части главного острова Хонсю, которую было бы несправедливо сводить лишь к ядерной катастрофе в Фукусиме и которая принимала первую выставку, в этом году в качестве центра операции была выбрана зона Токай, или «Восточное море», расположенная в тени горы Фудзи. Шесть известных творческих личностей или студий — от Лоры Бетан Вуд до Филиппа Малуэна, а также Дэвида Каона, Атанга Тшикаре, Eugene Studio и Lanzavecchia + Wai — на неделю погрузились в местную производственную реальность, посещая текстильные, бумажные (ваши), столярные и другие ремесленные мастерские, вдохновляясь традиционными практиками, которые, тем не менее, способны существовать в современном мире. Здесь мастерство рук восполнило недостатки языка: «Дизайнеры приехали в Японию без конкретной идеи и без особой эстетики, которой нужно было следовать, но со своим характером и желанием понять, что они могли бы привнести в проект. Это была прежде всего великая операция на человеческом уровне, я бы сказала, потому что ремесленники в большинстве случаев не знали ни слова по-английски, и именно профессионализм и страсть к своему делу позволили им и дизайнерам наладить диалог», — рассказывает Дидеро, также участвовавшая в этом проекте в качестве куратора.